DISPLACED es un programa de intervenciones efímeras de artistas independientes en los lugares de tránsito de la feria. La feria acogerá obras espontáneas en espacios singulares: instalaciones basadas en la fugacidad de sus elementos como la luz, objetos encontrados, proyectos participativos, acciones, performance, etc.
La octava edición de DISPLACED cuenta con el patrocinio de Petit Palace Hotelity
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Selección Colección Zaida Santos
Viaje al centro del “yo” Decía Jacques Lacan que existe una separación entre el sujeto interior y el exterior, estando el sujeto exterior siempre contenido, utilizando una armadura que le protege de todo su caos interno. Y es este interior caótico el que proponemos explorar con esta exposición: un viaje por nuestro ego del que volveremos con distintos souvenirs, recuerdos de nuestros “yos” más primitivos. Usaremos la maleta de Birgit Zinner para iniciar nuestro viaje, en el que haremos distintas paradas, ya que, como expone esta artista con sus obras interconectadas, las interrupciones en el viaje son parte importante del viaje mismo: Ahondaremos en nuestro ser más lúdico, desenfrenado y libre de todas las ataduras que se nos imponen, de mano de los “Strong Friends” de Sebastian Menschhorn. Pasaremos por nuestro interior traumático, repleto de heridas psicológicas que nos condicionan, como demuestra Nico Cañal. Y con Jesús Escandón entraremos en contacto con la naturaleza, que en demasiadas ocasiones está ausente en nuestro día a día, pero siempre será necesaria para nosotros. En definitiva, un viaje por nuestra psicología del que volveremos con distintos recuerdos proporcionados por estos artistas, que nos permitirán conocernos mejor a nosotros mismos.
Comisaria: Zaida Santos Fernández
Texto de Guillermo González Cristóbal, estudiante de Historia del Arte
In Between / La Escala
Con la instalación «In Between / La Escala» Birgit Zinner retoma su proyecto interactivo y performativo Mit Kofferkunst quer durch Europa (Con arte en maleta por Europa) en el cual adopta una doble identidad: por un lado, se presenta como una vendedora itinerante con un muestrario de piezas; por otro, juega libremente con las estructuras establecidas del mercado del arte, exponiéndolas y cuestionándolas a través de la acción performativa. Esta iniciativa, que comenzó en 2016, la ha llevado a recorrer Austria, Alemania, Países Bajos y Francia.
Los pilares fundamentales de su trabajo son la inmediatez y la flexibilidad al abordar situaciones imprevistas. A nivel formal, su obra explora temas como la repetición y el entrelazamiento, bajo una premisa clara: la interrupción del viaje es, en sí misma, parte del viaje.
En este contexto, el hotel se convierte en un lugar de estancia temporal y parada intermedia; un espacio que brinda la oportunidad de ordenar, reflexionar, presentar y comunicar el proceso artístico.
Lesiones
Nico Cañal reflexiona sobre la lesión no solo como un daño físico, sino como una experiencia trascendental que habita el cuerpo y la psique. A través de su obra, la lesión se revela como una acumulación de huellas —cicatrices, rastros y memorias— que condicionan la identidad y la percepción del individuo más allá del dolor biológico.
A partir de su propia historia clínica (fracturas, fibrosis crónica y pérdida de movilidad), el artista explora cómo el daño corporal deriva en traumas invisibles. Las cicatrices físicas actúan como detonantes de una inseguridad profunda y manifestado en un miedo persistente a la vulnerabilidad y una obsesión por la estética corporal.
Aunque Cañal ha transitado disciplinas como la escultura y la fotografía, su lenguaje predilecto es la obra figurativa sobre superficies planas (lienzo, tabla o papel). Es en estos soportes donde logra plasmar su visión del mundo, invitando al espectador a sumergirse en una realidad donde el desgaste físico y la resiliencia emocional se entrelazan de forma indisoluble.
Seis dibujos minuciosos realizados con bolígrafo, seis esculturas de barro intervenidas con alambre, simbolizando la tensión y el dolor punzante, y dos pinturas en óleo y acrílico son los medios que utilizará para profundizar en la vulnerabilidad durante Hybrid Art Fair 2026.
Happyversum
El happyversum es una utopía habitada por «Strong Friends» los cuales viven en una libertad lúdica y que más allá de los estereotipos y las fachadas, nos guían hacia nuestra propia magia, hacia nuestra felicidad. Estos seres coloridos y sonrientes nos acompañan en forma de dibujos y estatuillas.
Sebastian Menschhorn es el creador del happyversum, y su objetivo principal en todos sus diseños es hacernos felices.
Enebro_estudio (Jesús Escandón)
Sin título
La instalación site-specific se concibe en un espacio de tránsito y viaje continuo donde el musgo crece de forma lenta y silenciosa
La obra establece un contraste directo entre los ritmos naturales de crecimiento y la circulación acelerada de los huéspedes.
El proyecto propone una reflexión sobre el ritmo de vida contemporáneo y la necesidad de introducir la pausa y la contemplación de la naturaleza en un entorno funcional y cotidiano.
Selección Hybrid Art Fair
Suspended Time
Carolina Lindberg es una artista visual cuya práctica se expande a través del arte digital, la escultura, el textil y la instalación inmersiva. Su obra destaca por fusionar la artesanía tradicional con la tecnología contemporánea, construyendo un universo visual vibrante y simbólico que explora conceptos como la espiritualidad, la conciencia y la materialidad.
Para Hybrid Art Fair 2026 presenta una instalación de sitio compuesta por una pieza textil suspendida en el espacio. La obra plantea una reflexión profunda sobre el tiempo, entendido no como una medida cronológica, sino como una experiencia no lineal y en constante transformación. El uso de textiles satinados con impresión digital actúa como una representación visual de la fragmentación temporal. Al mismo tiempo, la estructura metálica y el mecanismo del reloj introducen una tensión deliberada entre lo orgánico y lo mecánico, subrayando la dualidad entre el tiempo medido por la máquina y el tiempo vivido desde la emoción.
A través de la combinación de técnicas como el patchwork y procesos digitales, la instalación logra suspender simbólicamente el flujo temporal. Lindberg invita al espectador a habitar un instante de pausa y contemplación, transformando el dinamismo del espacio arquitectónico en un lugar de introspección.
SURCO
La práctica artística de FAN se construye a partir de la acumulación y el choque de sistemas culturales, visuales y conceptuales. En su obra, las tradiciones filosóficas del Lejano Oriente convergen con perspectivas occidentales contemporáneas, integrando referencias que van desde la ciencia ficción y la ingeniería industrial hasta la poesía y las matemáticas. Para la artista, el collage no funciona como un espacio de conciliación, sino como un dispositivo temporal y espacial que evidencia transformaciones irreversibles y estados de inestabilidad.
En esta edición de Hybrid Art Fair, presenta «SURCO», una escultura blanda concebida como un dispositivo de inscripción, desgaste y resistencia adaptativa. La obra se estructura mediante capas textiles cosidas, acumuladas y seccionadas que actúan como estratos temporales. En este proceso, técnicas manuales arcaicas y collages digitales coexisten, diluyendo la frontera entre lo inmaterial y lo táctil.
Cada intervención cuenta con una condición activa, registra huellas irreversibles, donde el tiempo atraviesa la materia para cortar y deformar, creando una constelación de tensiones que invita al espectador a múltiples recorridos visuales.
El ecologismo de los pobres
Diego g. ha consolidado una trayectoria de carácter político-social. Influenciado por figuras como Silvia Rivera Cusicanqui, Paul B. Preciado y Marcelo Expósito, su práctica se centra en la investigación de la subalternidad y los procesos colectivos, rescatando oficios manuales y prácticas en vías de desaparición. A través de la performance, la instalación y el dibujo, busca una interacción directa con el entorno y las problemáticas que lo atraviesan.
«El ecologismo de los pobres», es una exploración profunda sobre las subalternidades a partir del pensamiento de Antonio Gramsci. La investigación aborda las migraciones históricas vinculadas a la escasez hídrica mediante un enfoque multidisciplinar que une ecologismo y cerámica. Utilizando la reconstrucción y el reciclaje de cántaros y botijos, la obra funciona como una metáfora de la huella humana y la importancia vital del agua. Estas piezas, dispuestas en columnas o activadas mediante performance, denuncian las crisis ecosociales y el extractivismo, situando la práctica artística como un espacio de resistencia y conciencia sostenible.
Ecos
Yoso, concibe el arte como un instrumento de análisis profundo del ser humano desde perspectivas inéditas. Sus obras emergen de sueños o visiones fugaces que cruzan la mente en instantes de vigilia, otorgándoles un carácter enigmático y surrealista. El artista se define como un observador hipnotizado por la singularidad del individuo, capturando en su trabajo todas las facetas de la existencia: desde la materialidad de la carne y el hueso hasta la inmaterialidad del silencio, el grito o el movimiento.
Para Hybrid Art Fair 2026 presenta «Ecos», una instalación site-specific que interviene un espacio esencialmente humano: la escalera.
